XVI столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия. В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Одним из основоположников нового направления в живописи был знаменитый мастер Кано Эйтоку, живший во второй половине XVI в. На одном из немногих сохранившихся его произведений — «Кипарис» — изображён мощный ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы. Золотой фон подчёркивает яркость красок, делает их более звучными.
Заслугой выдающихся художников XVII–XVIII вв. Таварая Сотацу и Огата Корина стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с приёмами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих мастеров тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала лирические переживания героев, но одновременно была зрелищной, что отвечало вкусам времени.
Гравюра на дереве (ксилография), расцвет которой относится к XVIII — первой половине XIX в., стала ещё одним видом изобразительного искусства Средневековья. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали Укиё-э («картины повседневного мира»).
В создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал своё имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, и её раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 г. художник Судзуки Харунобу (1725–1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше тридцати. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, что-бы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок.
Все гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвящённые изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал лица актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство. Основной приём Тосюсяя Сяраку — гротеск, преувеличение — создавал впечатление внутренней напряжённости и экспрессии его героев.
В бытописательной гравюре в качестве основоположников прославились такие выдающиеся художники, как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро (1753–1806). Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. В сериях его гравюр на темы из жизни женщин — «Соревнование в верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви» и др. — как правило, нет повествования, действия. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза — наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувство, которым они живут. Самым известным мастером гравюры конца XVIII — первой половины XIX в. был гениальный художник Кацусика Хокусай (1760–1849). Его искусству свойственны невиданный по широте охват всех явлений жизни, интерес ко всем её проявлениям — от незатейливой уличной сценки до величия природных стихий. Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Он изучал также картины старых китайских мастеров, был знаком с европейской гравюрой. Хокусай исполнил более тридцати тысяч рисунков и проиллюстрировал около пятисот книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных произведений — серию «Тридцать шесть видов Фудзи», позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи — национальный символ Японии — из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Новаторство Хокусая в самой сути его искусства, его глубинной содержательности, связях со своим временем. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и кончая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, — последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.
Андо Хиросигэ (1797–1858) — японский график, мастер цветной ксилографии, младший современник Хокусая. В своих пейзажах представлял природу лиричной и одухотворённой, используя европейские принципы перспективного изображения пространства.
Стихотворение Мотоёси Синно. Гравюра из серии «„Стихи ста поэтов“ в пересказе няни». 1834–1840 гг.
Словарь терминов
Абак — прямоугольной формы верхняя плита капители колонны, полуколонны или пилястра.
Адорáнт — в храмах древней Передней Азии статуя, изображающая молящегося.
Айван — в дворцах Парфии, Сасанидского Ирана, мечетях Среднего Востока и Юго-Западной Азии сводчатый зал, открытый на фасаде здания или выходящий во внутренний двор.
Акварель — живопись красками (обычно с клеем), которые разводятся на воде и легко смываются ею; отличается прозрачностью красок, сквозь которые просвечивает фактура основы.
Акватинта — вид гравюры на металле; на поверхность металлической пластины, покрытую слоем пыли из асфальта или канифоли, кистью наносят изображение лаком; затем пластину погружают в кислоту, разъедающую асфальт или канифоль, и используют в качестве печатной формы.